100 Películas para estudiantes de cine

Este es un listado, confeccionado por los profesores de cine de Filmosofía, con todas las películas necesarias para complementar vuestra formación en cine.

La lista no es de las mejores películas de la historia, aunque muchas de ellas lo sean. Son películas escogidas por la aportación que hacen a vuestra educación en cine.

La lista se ha limitado a 100 para sintetizar: esto implica dejar fuera de la lista muchos directores y muchas películas, pero creemos que con las de la lista tienes un abanico suficiente de estilos.

Espero que disfrutes las que no has visto aun, y que repitas (ahora analíticamente) con las que ya has visto.

Se considera el primer largometraje de terror. Si bien lo más impactante es el ingenioso diseño vanguardista de los decorados, palpablemente irreales y teatrales (puro expresionismo), en este revolucionario thriller psicológico de Wiene hay otros elementos, más sutiles, que se han convertido en habituales de las técnicas narrativas cinematográficas.

CITA de:

http://www.nocierreslosojos.com/gabinete-doctor-caligari/

Murnau, un discípulo aventajado del director de teatro y cine Max Reinhardt, dirigió 21 películas. La más celebre fue “Nosferatu”, (1922) Con el tiempo “Nosferatu” se labró una merecida reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro. Os recomiendo que veáis además la película de 1979 La sombra del vampiro”, dirigido por E. Elias Merhige, que funciona como Making Of de Nosferatu

El montaje de la película, más basado en la expresión y en los recursos estilísticos que en el raccord, nos dan el principio del montaje moderno.

La secuencia de la matanza en la ya famosa  escalera ha sido homenajeada por muchos directores como Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness o Woody Allen en Bananas .

La película tiene una trama que desafía el sentido común, pero su discontinuidad es sufortaleza. Hace que “Metrópolis” sea alucinante: una pesadilla sin la tranquilidad de una historia constante. Pocas películas han sido tan visualmente estimulantes. La primera grande del género de ciencia ficción

Juana de Arco, con sus primeros planos, transmite la angustia de la protagonista a la perfección. La película se rodó en un enorme set de hormigón inspirado en la arquitectura medieval para retratar de manera realista la prisión de Rouen. Dreyer tampoco permitió que los actores usaran maquillaje y utilizó diseños de iluminación que hicieron que los actores parecieran más grotescos.

Una de las primeras comedias románticas, que sentó las bases del genero para siempre. Sus gags han sido y serán imitados. La tensión sexual entre los protagonistas se refleja de manera excelente, creando una obra imprescindible y moderna

La cinta, que en su momento fue la más cara jamás rodada, introdujo importantes avances en la técnica cinematográfica y logró ocho premios Oscar: entre ellos destacan el primer premio conseguido por una intérprete afroamericana, entregado a Hattie McDaniel. Inolvidables sus contraluces y su uso de la grua.

Fantasía fue la primera película en proyectarse en estéreo. Los ingenieros de sonido de Disney crearon un sistema de sonido llamado ‘Fantasound’, que tenían que instalar en cada sala en la que se fuera a proyectar la cinta. Destaca su uso de la música y de la animación mezclada con personajes en vico

Es la obra más imprescindible para un estudiante de cine. Es magistral su innovación en : guión, dirección, cinematografía, sonido, edición, dirección de arte… En resumen, vale la pena que la veas 15 veces.

Muy interesante RKO 281: The Battle Over Citizen Kane (Benjamin Ross), una peli que es como el making of de Citizen Kane

Casablanca es un gran cúmulo de malas decisiones que salieron bien. Un guión espectacular, con las mejores construcciones de personajes la convierten en la película con más citas de la historia.

Con su entorno evocador envuelto en niebla, deslumbrante partitura de Rachmaninoff y un par de actuaciones increibles, esta película, dirigida por David Lean explora hábilmente la emoción, el dolor y la ternura de un romance ilícito, y ha influido en muchos encuentros breves cinematográficos desde su lanzamiento.

Lección maestra de neorrealismo itailano: sin una lira, en escenarios naturales (calles), cámara en mano muchas veces, sin actores profesionales, sin repetición de tomas, con el raccord fastidiado. Era el cine de 0 presupuesto de un país en postguerra. Homenajeada incluso por Spielberg en E.T.

Toda una lección de composición de imagen, Kurosawa comenzó a descubrir nuevas formas de expresión con la cámara que serán imitadas en el género del Western. Mención aparte el guión, que pon en entredicho la realidad y funda  el “Efecto Rashomon“, tan de boga en la época de la post-verdad.

Maravillosa crítica y burla a Hollywood y a la fama, escrita y dirigida con la mirada mordaz y sarcástica de Billy Wilder. Louis B. Mayer(el jefe de la metro) se acercó a Wilder para  reprocharle que hubiera “mordido la mano que le convirtió en alguien y le dio de comer”. “Deberían expulsarle del país”, le gritó ante la numerosa concurrencia, ante lo que el cineasta se limitó a contestar un “que te jodan (fuck you)”

Icono de la cultura popular del Siglo XX y uno de los mejores musicales jamás hechos, además de rebosar optimismo, esta película de meta-cine cuenta con trabajo increíble del perfeccionista Gene Kelly, que exprimió a sus compañeros hasta la extenuación en busca de la perfección.

Máxima representación del  jidai geki (cine japonés de época) los siete samuráis es ante todo una película de acción, pensada para mantener al público en vilo. Y no hay mejor ejemplo de ello que su clímax final, que insipirará a Gladiator y Braveheart. Y con la elegancia compositiva de Akira Kurosawa

Maravilloso ejemplo para directores sobre como usar el Punto de Vista, el ritmo, y el tono de la narración. Y un gran resumen de todas la posibles relaciones de pareja. Debéis estudiar profundamente la presentación del barrio y de los personajes, ya que son una lección de cine.

Elia Kazan demuestra lo importante que es para un director la Dirección de Actores, usando para eso todos las posibilidades del “Método” con Marlon Brando, que creó un personaje lleno de matices que sobrepasa en largo lo que proponen sus lineas de dialogo.

Partida de ajedrez contra la muerte, en busca de las respuestas existenciales sobre la vida y la muerte. Obra maestra culminante de Ingmar Bergmann. La muerte, al final, ganó la partida con Max von Sydow durante la crisis del coronavirus.

Una de las películas más valiosas para que cualquier amante de las conductas humanas. El máximo exponente es el personaje de Henry Fonda en esta película sobre el relativismo judicial y la manipulación de la verdad.

Gran despliegue psicológico sobre el ideal femenino, el complejo del héroe y las pulsiones freudianas. Con un maravilloso uso de los colores (el verde acompaña a la ilusión de Madeleine/Judy, mientras el rojo nos grita peligro), o toda la puesta en escena inicial, cimentada en reflejos y filtros. Nada es arbitrario.

Película que  reúne de manera tan redonda todos los elementos autorales que distinguen a Alfred Hitchcock: es un maestro del cine por su dominio de la técnica, la tensión y el tempo en escenas como la del avión. Mítica secuencia de 7 minutos sin diálogos de pura tensión y manejo del ritmo.

Cumbre de la comedia, Some Like It Hot es donde Wilder supera a su admirado Lubitsch. Lesbianismo, homosexualidad, travestismo, falsos playboys y mujeres en busca de un buen partido: un cóctel explosivo de risas y sexo, lo más atrevido que pudo en la puritana sociedad de los 50.

Hithcock juega con el espectador como un músico con su instrumento en este clasico, donde la narración se funde con la elección de planos y una edición sublime.Homenajeada por todos, desde Spielberg y Scorcese a Tarantino y R. Rodriguez, esta obra rompe con la estructura clásica de manera salvaje.

La elocuencia narrativa de Billy Wilder, su espectacular puesta en escena, la fantástica banda sonora firmada por Adolph Deutsch y la brillantez y encanto de sus dos protagonistas la convierten en una delicia absoluta y en obra cumbre de la comedia de situación.

François Truffaut expone toda su tesis sobre la  «Nouvelle Vague», movimiento del cual iba a ser su más fiel exponente. La veracidad del relato se consigue mediante la utilización de una puesta en escena transparente, donde lo que verdaderamente importa son los movimientos de los personajes y la libertad de encuadre.

Jean-Luc Godard reinventó el lenguaje cinematográfico narrando esta sencilla historia con técnicas no utilizadas en el cine convencional, como la cámara en mano, los saltos de plano,  la forma en que los dos protagonistas se dirigen directamente a la cámara. No solo son nuevas técnicas: es una nueva mirada al cine.

Considerada como la primera “película snuff”. Powell adopta un POV (punto de vista subjetivo) para poder sumergir totalmente al espectador en los asesinatos perpetrados por Lewis Inmediatamente, se crea un sentimiento de malestar en el espectador. Scorcese resume perfectamente la película: “Siempre he sentido que Peeping Tom y 8 ½ [de Fellini] dicen todo lo que hay que ser dicho sobre el arte de hacer cine […].”

El nombre de Buñuel está irremediablemente ligado al surrealismo, aunque Viridiana es mas simbolista. Esta obra además, explora la psicologia Freudiana del subcosnciente. Película que fue prohibida por la dictadura y por el vaticano, esta prohibición la ha elevado a la categoría de leyenda

La auténtica virtud de la película de David Lean no es la biografia de ‘Lawrence de Arabia’, sino retratar la persona detrás del mito. Todo esto, en la tradición de la superproducción, con muchos medios y espectacular música, arte y cinematografía.

Clásico thriller de impecable ritmo, y con un guión que nos plantea  los límites de la ley y una música espectaculae. De esta película se hizo un perfecto remake en 1991 por  Martin Scorcesse que es también imprescindible ver.

Otra muestra de metacine, 8 1/2. la película es una autobiografía de las filias y fobias del director italiano. Fellini juega con la mezcla de realidad, ficción y sueños, demostrándonos que en el cine todo es posible, que el cine ante todo es un espectáculo que se difunde a través de historias, sean cuales sean éstas.

Además de las inquietudes que el espectador experimenta cuando se enfrenta al sorprendente mundo de Buñuel, lo realmente valioso de esta obra maestra es relajarse  estética, las actuaciones que logra en los personajes,  las imágenes inesperadas,los diseños cuidadosos y de cada pequeña historia entretejida. No hay gesto que no valga la pena, ni aspecto sobrante.

Maravillosa incursión en la comedia política y negra de Stanley Kubrick, y con Peter Sellers haciendo varios papeles, hasta conseguir una obra satírica capital en el género.

Penn usa aquí un estilo más propio del cine europeo que del estadounidense de aquella época, con secuencias de una delicadísima intensidad y una fotografía realmente soberbia

uno de los exponentes del Nuevo Hollywood. Ese movimiento transformó la industria de los grandes estudios para apostar por temas como el sexo y la violencia a través de los ojos de una nueva oleada de cineastas rupturistas como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola o William Friedkin, entre otros

Obra cumbre de la ciencia (ciencia) ficción, la película está narrada de forma muy abstracta y tiende a dejarnos con muchas dudas pendientes una vez termina. Su perfección técnica y de efectos la hace parece mucho mas moderna. Insuperable su elección para la banda sonora.

la distopía de Anthony Burgess rompió el techo de la violencia. Kubrick creo una obra de culto gracias a su sexo y violencia, su maltrato psicológico de personajes y espectadores, y por su cuidada (como en todas sus películas) fotografía y banda sonora.

La trilogía de Coppola sobre la mafia ha colocado el Padrino I y II como “mejores películas de la historia” para muchos. Con una cinematografía para estudiar y unas actuaciones magistrales, gran uso del fuera de campo, del tiempo y del ritmo de narración.

El imperio de los sentidos (1976) es el principal exponente de la nueva ola japonesa cinematográfica.Polémica por su uso de sexo explícito, una gran tratado sobre el Eros y el Thanatos, el sexo y la muerte: los impulsos más secretos del alma humana

El cine del alemán Werner Herzog, a medio camino entre el documental y la ficción, consiguió con esta película inolvidablemente interpretada por Klaus Kinski una de sus cumbre

Hecha entre “padrinos”, esta obra maestra del agobio reflexiona sobre la privacidad. Uso impactante de la composición de imagen (busca el simbolismo de los círculos triángulos y cuadrados durante la película) y un revolucionario uso del sonido

Obra de género de Polanski, narrada desde el punto de vista del detective hasta en los más mínimos detalle. La mayoría de las escenas comienzan con su punto de vista y si luego ese plano panoramiza, puede hacerlo al rostro del detective para luego volver a convertirse en su mirada.

Escalofriante puesta en escena, dentro del delirio en el que viven sus protagonistas, es una historia sobria y descarnada que se atrinchera en el humor seco para amortiguar las emociones

Creadora de un género, esta película es una muestra de la maestría de planificación de tomas de Spielberg, donde cada movimiento tiene una intención. Rodada con problemas técnicos, la creatividad logró superar muchos problemas.

Continúa ostentando el título de la mejor película de terror en la historia. Provocadora y con escenas perturbadoras, esta película cuenta con una increíble puesta en escena para meternos de lleno en la evolución de Reagan, con un tratamiento espectacular del sonido

Scorsese lleno de oscurantismo, desesperanza y existencialismo y con la obsesión y la violencia tan propias del cineasta. Scorsese alcanza la perfección técnica absoluta en la planificación y el montaje, y la maestría total en el ritmo, el tono y el punto de vista de la historia

En esta película, David Lynch cuenta una historia  difícil de seguir, pues lo que ocurre en la película, protagonizada por el actor Jack Nance, se asemeja más a una muy pesada pesadilla que a las historias convencionales a las que estamos acostumbrados. Creará un estilo que solo pertenece a Lynch

La trilogía de Star Wars ha significado una de las franquicias más importantes de todas las épocas. Su mérito se basa (al igual que en Matrix) en seguir la teoría deel camino del héroe con precisión, además de sus novedosos efectos especiales.

Analiza cómo reaccionaríamos los humanos ante la posibilidad de que realmente no estemos solos en el universo. Spielberg da aquí un paso de gigante en la caracterización de ese hombre común superado por circunstancias extraordinarias

Una historia de pareja que se despliega en New york, como si se tratara de una sucesión de postales y la intromisión de un personaje que llega para romper con la armonía entre los protagonista, con toda la teoria del Eros y el Thanatos de Allen

¿sucede en la zona lo que el stalker dice que sucede o todo es un embuste o el stalker cree realmente pero nada de lo que cree es real? Desde este punto de vista, es una exploración del mito o de la fe religios, y punto culminante del estilo de Tarkovsky

Es un viaje hacia lo más profundo del interior de uno mismo, es una recreación de una guerra absurda (la Guerra del Vietnam), es la constatación de que la sociedad norteamericana es a la vez la más moralista y la más amoral.

La elaborada mecánica de rodaje de los combates en esta película se saldó con varios de los mejores y más impresionantes jamás rodados. El montaje y la fotografía consiguen que cada golpe duela.

‘El resplandor’ (‘The Shining’) ha pasado a la historia del cine como una de esas adaptaciones que mejoran con creces el material original. Ha sido definida varias veces como el primer film épico de terror.

Federico Fellini muestra en  La dolce vita lo que se experimenta durante una serie de días y noches frenéticas, en los cuales pasa todo lo que le puede suceder a una persona que se deja arrastrar por los remolinos de la vida. Es una historia sin trama, admirablemente narrada.

Películad de ciencia ficción sobreentes biológicos artificiales, los replicantes, que pueden desarrollar emociones y llegar a tener una personalidad propia. Ello hace que tomen conciencia de su finitud y se rebelen contra la muerte, buscando superarla. Magnifico tempo, un cine noir fantástico, detectives del futuro.

Salieri es un personaje fantástico, de peculiar tragedia, al que la portentosa interpretación de F. Murray Abraham, llena de matices, termina por convertir en uno de los mayores villanos del séptimo arte.

El film muestra la idealización de un mundo deshumanizado en un futuro distópico, La película es totalmente surrealista, pues en ocasiones no sabes si estas dentro o fuera de la realidad de Sam aunque el sueño se ve interrumpido al ser consciente de que es una inalcanzable y falsa ilusión

Punto álgido en la filmografía de Abbas Kiarostami: Película sencilla, donde se plantea de manera diáfana y directa, la gran distancia que separa al mundo de la infancia del de los adultos; su diferente escala de valores y la enorme dificultad de establecer puentes de comunicación entre ambos

Tierna declaración de amor al séptimo arte que con el paso de los años funciona como una extraordinaria bomba de nostalgia, con todo el costumbrismo preciosista de Tornatore.

Kubrick nos cuenta en esta película natibélica la manipulación y adoctrinamiento mental que se hace sobre el ser humano hasta el punto de anular la personalidad en muchos casos, mostrando en toda su crudeza el mayor horror que ha creado el hombre: la guerra

Una de las películas esenciales de Spike Lee, quizás la que más le define como cineasta y activista. Un relato de un día en la vida de este barrio parece transcurrir con total normalidad hasta que todo estalla en la pizzeria. Un retrato subjetivo de la raza.

Un juego sutil e inteligente sobre la inestabilidad de los sentimientos a través de una trama de aparente simplicidad. Una puesta en escena donde las casas se convierten en personajes.

Thelma y Louise fue una película controversial de principios de los ´90, por presentar a dos personajes femeninos principales, por lo que fue acogida como una película de culto por el movimiento feminista y por denunciar abiertamente el machismo impreso en la sociedad. Un muy buen ejemplo de como escribir un “arco de personaje”

Una película contada desde una perspectiva femenina, donde los personajes masculinos están llenos de humanidad, donde el placer no es culpable, donde el arte vehicula las emociones, donde el silencio es más elocuente que la palabra y la tarea del espectador es dejarse llevar por el intenso viaje interior de la protagonista.

Al igual que sucede con Ciudadano Kane, «La lista de Schindler» es una clase magistral de todos los elementos del cine. Como historia nos da una grandiosa imagen de un hecho real, amargo, difícil de creer. Estira los límites del ser humano hasta puntos insospechados, tanto en la barbarie, como en la capacidad de los prisioneros de soportar este sufrimiento.

Una película para el debate y la controversia: Guion de Tarantino y dirección de Tony Scott. Algunos opinan que Tarantino es un caos, que cree que con 4 frases chulas tiene una historia y que Scott salva la peli. Otros creen que Scott se carga un perfecto Tarantino. Hilo Abierto.

Estas tres películas se centran en los ideales revolucionarios franceses. Azul es un complejo estudio psicológico sobre la libertad, Blanco es una comedia dramática centrada en la igualdad y Rojo gira en torno a la idea de la fraternidad.

Película que consigue, a partir de unos recursos muy vistos, re-introducirlos al espectador. Imitando un “tiempo real”, consiguió convertirse en cine de culto con diálogos exagerados y violencia gratuita.

Esta película supone una revisión crítica, en tono satírico y tragicómico, de un sistema político y de la identidad de un pueblo. Un relato sobre la ambición y la dignidad, el sentido de la historia o las fronteras que separan la realidad de la ficción.

Esta película esta considerada como ejemplo de escritura perfecta de guión. Con interpretaciones magistrales y una buena puesta en escena y dirección, ha sido considerada (junto al padrino) la mejor película de la historia en IMDB durante mucho tiempo.

Trainspotting es el retrato de una sociedad que se volvió adicta a las drogas, especialmente, a la heroína, en una película agresiva, directa y sarcástica, con detalles fantásticos y personajes de alta filosofia callejera.

Historia de amor extremo del provocador Lars von Triers, donde nos habla del tema religioso, sobre los milagros, todo con estética naturalista.

Película que aborda con humor el tema espinoso del que habia hablado Spielberg en Schlinder. Con un gran giro en el medio de la película, al estilo de Psicosis o Abierto hasta el Amancer.

Film inteligente, despiadado, cruel, pero vestido con los ropajes de la mirada adolescente. A primera vista, una comedia hilarante, pero, ante todo, un magnífico estudio de personajes

Sátira del capitalismo y  magnífica reflexión sobre los peligros de la masculinidad tóxica. Otra de esas películas de “no es lo que parece”, como “El Sexto sentido”, “Los Otros”. Maravillosa actuación y un tratamiento visual moderno. Que Boyero la llame “idiotez” te garantiza que es buena.

Matrix revolucionó los efectos especiales e incorporó el cómic al cine de manera simbiótica, creando (como anteriormente Star Wars) un universo lleno de transmedia. Otra narración que sigue “el Camino del Heroe”.

Un conjunto de retratos íntimos cruzados, que crean una película de culto: dinámica, con un Tom Cruise en el mejor papel de su vida, en esta sátira sobre el azar, la coincidencia de universos paralelos.

Elegancia, pulcritud y poesía visual en esta historia de artes marciales que en realidad son dos historias de amor. Disfrútala como un relato de iniciación taoísta, aprende de sus enseñanzas y lecciones ocultas.

Es, sencillamente, la única película de miedo (junto a Dark Water) que me ha dado miedo. Y el guión no es tan bueno, pero los sonidos metálicos y chirriantes  hacen que la película sea intensa y espeluznante. También la edición magistral y los ángulos de cámara que enfrentan el joven, el cadáver de Sadako y Reiko abrazándose

El lema de la película es “Mira más cerca”. Y cada vez que la miras, ves mas cosas. El uso de los colores rojo blanco y azul para identificar USA, los diálogos y personajes perfectamente establecidos, el twist final. Una película para ver críticamente varias veces.

Moulin es mucho más que un musical contemporáneo. Es un uso diferente, nuevo y MTVonico del cine. Una edición y un ritmo jamás visto, y un colorido de dibujo animado en una película monumental.

Este filme noir moderno presenta un guion complejo y experimental en el que la importancia radica en la forma de contar la historia, más que la historia en sí.

Película que maneja una de las temáticas más recurrentes en la obra de Lynch: los sueños. Magnífico filme que cada persona que lo ve lo vive y entiende diferente. Es un logro que vale la pena estudiar.

Amélie es un cuento maravillosamente fotografiado con elementos de nouvelle vague y con un diseño de arte y etalonaje (al verde y rojo) decididamente valiente. Una pequeña maravilla muy imitada.

Maravilloso drama con atmósferas agobiantes y decadentes, en donde se entremezclan historias sobre la soledad. Con una fotografía y una banda sonora inigualables.

Película brasileña cuyo éxito no solo reside en los elementos visuales, técnicos y estéticos, sino también en el mensaje social que transmite. Su edición es marca reconocible de Meirelles (ved también Los 2 Papas y lo vereis claro)

Al igual que con Mullholland Drive, el Viaje de Chichiro esconde significados que solo su autor conoce, y los demás podemos especular. Miyazaki aceptó una conexión con la prostitución, pero dejó claro que lo usó como el ejemplo ideal para hablar del capitalismo. Una película que es más que un cuento.

Este fue uno de los primeros documentales que la gente vió masivamente en Gran pantalla y no en la tele. Su merito radica en que su autor, Michael Moore, no va de intelectual, sino de Americano Medio, y al americano medio se dirige.

No es solo otra película sobre el holocausto: es una película sobre lo que el ser humano es capaz de hacer por sobrevivir. Hay nazis malos y buenos, y también hay judíos malos y buenos. Nadie se salva

Apenas hay decorado ni atrezo, los límites de las casas están señalados con líneas blancas, sin paredes, y hay letreros en el suelo que aportan información sobre las viviendas. En todo esto, el guion y la actuación por necesidad sobresalen como puñales.

En toda la trilogía de la venganza, nos encontramos con constante inventiva visual., aunque a veces  su violenta poética no deje ver su romántico lirismo. Es una serie para ver de una sentada.

En esta película prevalece la idea de lo importante que son las reminiscencias que nos dejan determinadas personas en nosotros. Porque su paso por nuestras vidas es y será, nos guste o no, imborrable. Es una película que cuenta con un ejército de Haters.

Breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero. Aunque recuerda la premisa a “brief Encounter”, Sofia Coppola nos la cuenta desde un ritmo lento que afianza la soledad de los personajes.

Historia de amor imposible, esta vez con dos hombres, en un conjunto de actuaciones perfectas, y con tintes de epopeya. Espectacular cinematografía

Magistral película de Pedro Almodóvar, donde “limpiar” se vuelve una metáfora potente. Los temas de Almodóvar  (Comedia, el universo femenino, La Mancha, las Madres) aparecen retratadas con cierto realismo fantástico.

Si bien la película es la típica de la factoría Pixar-Disney, sus primeros 20 minutos son de los mejores de la historia del cine: una narración que manipula al espectador con precisión absoluta, haciéndonos reír, llorar, reír, y casi sin dialogo.

Una conexión ambiciosa entre el ser humano y los orígenes del universo, en una película con una espectacular puesta en escena, verdadera investigadora de nuevas formas cinematográficas, y a la vez compulsiva confesión en forma de arte,

la aventura de vivir a través de los ojos de un niño contada con su estructura particular por Linklater, en una película “convencional” contada de manera extraordinaria y nada convencional.

Aquí teneis la lista en modo tabla, ordenada por Año de Estreno